Künstlersammlungen: Objekte, Ordnungen, Programmatiken / Artists’
Collections: Objects, Frameworks, Ideas
(English version below)
Künstlersammlungen: Objekte, Ordnungen, Programmatiken
München, 26.-27.6.2020
Call for papers
KünstlerInnen haben seit jeher die unterschiedlichsten Dinge gesammelt:
Schöne, seltene und „exotische“ Artefakte und Naturalia, Meisterwerke,
Memorabilia, Künstler-Reliquien, Paraphernalia, Bildmaterial, Fundstücke
und Nippes. Wie andere Sammlungen auch schwanken Künstlersammlungen
häufig zwischen Kontingenz und Kohärenz, sie etablieren Ordnungsentwürfe
und verstoßen gegen andere. Darüber hinaus treten hier jedoch Rezipieren
und Produzieren in ein besonders spannungsvolles Wechselverhältnis:
Künstlersammlungen versprechen einen Einblick in die Genese neuer Werke,
dienten sie ihren BesitzerInnen doch oftmals als Inspirationsanlagen,
als Labore für künstlerische Ideen und Verfahren, oder, besonders in
früheren Zeiten, als Lehr- und Vorlagensammlungen. Zugleich weisen sie
zeittypische Geschmacks- und Interessenskonjunkturen im Umgang mit dem
auf, was für sammelwürdig erachtet wird. Auch in künstlersoziologischer
Hinsicht bieten Künstlersammlungen reiches Material: Sie zeugen mitunter
von sozialem Aufstieg, sie machen künstlerische Netzwerke sichtbar und
sie zeigen sich als Schauplätze von Geselligkeit, Kennerschaft und
künstlerischem Wettstreit. Kurz: Sie stellen einen besonders
aufschlussreichen Sonderfall des Sammelns dar – nicht zuletzt, weil das
Sammeln KünstlerInnen die Möglichkeit gibt, das eigene Werk zu
kuratieren, es in Kontext zu setzen und damit Einfluss auf die Rezeption
ihres Werks zu nehmen.
Das bisherige Interesse an Künstlersammlungen konzentriert sich
vornehmlich auf prominente Fälle wie etwa Vasari, Rubens, Le Nôtre,
Degas, Liebermann, Warhol oder Baselitz. Dieses Kolloquium möchte
erstmals Beiträge vereinen, die eine umfassendere Perspektive auf
Künstlersammlungen von der Frühen Neuzeit bis heute anbieten: Was
motiviert Künstlerinnen und Künstler dazu, eine Sammlung
zusammenzustellen, ihr gar eigens einen Aufbewahrungs- und
Präsentationsort zu widmen? Folgen sie hierbei gängigen Sammelmoden oder
erschließen sie neue Sammelfelder? Wie verhalten sich künstlerisches
Schaffen und Sammelaktivitäten zueinander: Kann das Sammeln als
Fortsetzung des künstlerischen Werks mit anderen Mitteln betrachtet
werden oder kontrastiert es mit diesem? Auf welche Weise formt die
Sammlung den Blick auf das eigene Œuvre – und umgekehrt? Wie wirkt die
Sammlung in die Rezeptionsgeschichte fort?
Gerade auch für die Kunst der Gegenwart, wo finanzkräftige
PrivatsammlerInnen das Feld dominieren, erscheint ein Blick auf
KünstlerInnen als SammlungsakteurInnen interessant, agieren diese doch
längst als wichtige LeihgeberInnen nicht nur ihrer eigenen Werke,
sondern auch ihrer Sammlungsobjekte. Gleichzeitig können
Künstlersammlungen auch als dem Kunstmarkt zumindest vorübergehend
entzogene Objektzusammenstellungen fungieren, die, oftmals aus
Geschenken unter befreundeten KünstlerInnen entstanden, primär einer
Logik des Tausches und der Gabe gehorchen.
Besondere Aufmerksamkeit möchte unser Kolloquium dem Sammlungsdisplay –
als räumlicher Manifestation des Sammlungskonzepts und Kontaktfläche zum
Publikum – widmen. Im Sinne eines erweiterten Werkbegriffes soll
untersucht werden, inwiefern KünstlerInnen sich durch das Sammeln,
Ordnen, Kompilieren und Präsentieren Objekte oder Werke Anderer aneignen
– und diese in Dialog mit dem eigenen Werk bringen. Doch auch jenseits
offensichtlicher szenografischer Setzungen soll die Eigenreferenzialität
künstlerischer Sammelpraktiken herausgearbeitet werden.
Willkommen sind Themenvorschläge zu Künstlersammlungen aller Epochen und
geografischer Kontexte, die einen rein sammlungsmonografischen
Blickwinkel verlassen, um sich mit Fragestellungen grundsätzlicherer
Natur auseinandersetzen. Diese können sich beispielsweise an den
folgenden Aspekten orientieren:
- Sammlung im Bild / Sammlung als Bild: Wie präsentiert das
Sammlungsdisplay das Sammlungskonzept und seine Interaktion mit dem
eigenen künstlerischen Werk – und wie wird das Display weiter medial
verstetigt?
- Status von Original und Reproduktion: Welchen Stellenwert hat es für
KünstlersammlerInnen, authentische Werke und Hinterlassenschaften
anderer KünstlerInnen zu besitzen, wann wird ihr Sammeln primär von
ikonografischem oder materialästhetischem Interesse angetrieben?
- Bildnerische Aneignungspraktiken: Inwiefern lassen sich
Reproduktionen, Retuschen, Übermalungen, Restaurierungen, Kompilationen
von Sammelgut als Fortsetzung sammlerischer Praxis betrachten?
- Figurationen des Künstlersammlers/der Künstlersammlerin in Bild und
Text: Wie setzen sich KünstlerInnen mit den Werken ihrer KollegInnen und
Vorbilder ins Bild – bzw. werden ins Bild gesetzt? Wie imaginiert die
(Kunst-)Literatur die Figur des Künstlersammlers/der Künstlersammlerin –
zwischen Künstlermythen und Sammlerklischees?
- Inklusionen und Exklusionen: Welche Rolle spielen Geschlecht und
Herkunft beim Sammeln? Verfestigen Künstlersammlungen bestehende
(homosoziale) Netzwerke? Wann orientieren sich KünstlerInnen im Sammeln
an einem globalisierten Sammlungsgeschmack, wann greifen sie auf lokale
Traditionen zurück?
- Sammlungen als Schauplätze künstlerischen Wettstreits: Wie messen sich
KünstlerInnen in ihrem Sammlungsarrangement mit „der Antike“, den
ProtagonistInnen der Kunstgeschichte, ihren ZeitgenossInnen?
- Kanonisierungsprozesse und Gegenerzählungen: Inwiefern erproben
KünstlerInnen mit ihrer Sammlung alternative kunsthistorische Modelle
und Genealogien, wann werden in ihren Sammelpraktiken Strategien der
Selbstmusealisierung greifbar?
Die Tagung findet vom 26.-27. Juni 2020 in München statt und wird
organisiert von Dr. Ulrike Keuper und Dr. des. Léa Kuhn, Institut für
Kunstgeschichte der LMU München. Teilnehmerinnen und Teilnehmern werden,
vorbehaltlich der Mittelzusage, die Übernachtungs- und Reisekosten
erstattet.
Bitte senden Sie Ihren Themenvorschlag für einen 25-minütigen Vortrag
bis zum 3.11.2019 als Abstract von 300 Wörtern auf Deutsch, Englisch
oder Französisch gemeinsam mit einem knappen CV an die beiden
Organisatorinnen: [log in to unmask], [log in to unmask]
—-
Artists’ Collections: Objects, Frameworks, Ideas
Munich, June 26-27, 2020
Call for papers
Artists have always assembled a range of artefacts and naturalia:
beautiful, rare or “exotic” things, memorabilia, works by other artists,
paraphernalia, studio materials and models, artists’ “relics,” found
objects and knick-knacks. Like other collections, those of artists often
oscillate between contingency and coherence, and between establishing
epistemic categories or rejecting them. However, artists’ collections
are spaces in which the production and the reception of artefacts
intersect in particularly productive ways. Indeed, since they are often
installed for the purpose of inspiration, a study of them has special
potential to reveal the dynamics through which new works are formed.
They serve as laboratories for ideas and artistic methods, or, in
earlier times, as educational sites and repositories for models. At the
same time, they reflect common collecting tastes and norms of their
time. Artists’ collections are a rich field for sociological inquiry:
They can be seen as material (auto)biographies that bear witness to
artistic careers and social advancement; as spaces of sociability,
connoisseurship, and artistic rivalry, they make artistic networks
visible. What makes them exceptional cases of collecting is the fact
they give artists the chance to curate their own work: through
collecting, artists create a context for their art-making and thus exert
influence on the perception and reception of their oeuvre.
The interest in artists’ collections has thus far focused primarily on
prominent cases such as Vasari, Rubens, Le Nôtre, Degas, Liebermann,
Warhol, or Baselitz. This symposium seeks to open the field by
assembling papers that offer a more inclusive perspective on the
collecting practices and spaces of artists from the early modern period
to today. Why do artists collect? Do they create spaces specifically
designed for the display of their collections? To what extent do they
follow common collecting tastes, or establish new or unusual areas of
collecting? How do collecting and art-making interact? Is the art-making
process informed by collecting—or the other way around? To what extent
do artists’ collections affect the wider perception of their works?
The artist as collector seems a topic particularly relevant to the
contemporary art world, with its potent private collectors that dominate
the field. Recently, artists have also emerged as lenders not just of
their own works but also of works from their collections. Since artists’
collections often include gifts from artist friends, they can however
also function as repositories that are to some extent separate from the
flow of commodities, informed more by the logic of donation and exchange.
Our symposium will treat such collections both as spatial manifestations
of underlying concepts and as spaces of interface with the public. We
would like to investigate the ways artists appropriate objects and the
works of others by collecting, arranging, compiling and curating them.
Is a collection describable as a body of work in its own right, and if
so, who is its author? Strong emphasis will thus be placed on the
self-referential nature of artistic collecting practices.
We welcome proposals that go beyond a monographic approach to address
fundamental issues of artists’ collecting practices. This could include
the following:
- Displays of display: How does the display of a collection represent
underlying ideas? What kind of interactions does it stimulate between
items in the collection and the owner’s own works? What types of media
are used to generate the public image of a collection?
- Original and copy: What importance do artists place on possessing the
authentic works and material traces of other artists? When do they
collect more for the purpose of assembling interesting models or materials?
- Appropriation practices: To what extent is the copying, retouching,
overpainting, restoration or compiling of collection items an extension
of collecting practices?
- The image of the artist-collector: How do artist-collectors represent
themselves in pictures, or how are they represented by others? How are
they imagined in (art) literature?
- The politics of otherness: How do artist-collectors act in relation to
homosocial or ethnocentric networks that inform collecting practices? To
what extent are such networks reproduced or disrupted in collecting
practices?
- Staging rivalry: How do artists use collections to stage competitions
between their own works and those of their peers, or other protagonists
of art history or antiquity?
- Collecting and the canon: Do artists’ collections produce
counter-narratives to the dominant canon? When is artistic collecting a
form of self-museification?
The international symposium will take place June 26-27, 2020 in Munich,
Germany. The organizers are Ulrike Keuper, Ph.D., and Léa Kuhn, Ph.D,
member of the art history department of LMU Munich. Travel and
accommodation expenses will be reimbursed subject to the commitment of
funding.
Please send CVs and abstracts of no more than 300 words in German,
English or French for a circa 25-minute presentation to
[log in to unmask] and [log in to unmask] no later than
November 3, 2019.
~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~
The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens, March 21, 2020
Deadline: Nov 1, 2019
Renaissance Conference of Southern California
64th Annual Conference
Saturday, 21 March 2020
The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens
San Marino, CA
PLENARY ROUNDTABLE
Interdisciplinary Research and the Renaissance: How to Do It
Amy Buono (Art History, Chapman University)
Katherine Powers (Music, California State University, Fullerton)
Martine van Elk (English, California State University, Long Beach)
CALL FOR PAPERS
The RCSC, a regional affiliate of the Renaissance Society of America,
welcomes proposals for individual papers as well as complete panels on
the full range of Renaissance disciplines (Art, Architecture, History,
Literature, Music, Philosophy, Religion, Science). In keeping with the
2020 Plenary Roundtable theme, papers and panels that employ
interdisciplinary modes of inquiry are especially encouraged. The RCSC
promotes the study of the period c. 1300–1800, broadly interpreting the
Renaissance within a global framework.
Please note that membership in the RCSC is required for conference
participation. Please see our website for membership details.
Individual paper submissions should include:
- abstract of approximately 250 words
- contact information and one-page CV
Panel Submissions are welcome and should include:
- contact information and one-page CV for organizer / chair
- names and abstracts (c. 250 words) for all presenters
- one-page CVs of all presenters
- title and short (c. 150 word) description of the panel itself
Please submit all application materials on our website
(http://rcsconline.org/), where you can also find more information about
the conference.
Deadline for submissions: November 1, 2019
If you have any questions, please contact the RCSC president, Heather
Graham ([log in to unmask]).
~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~
AAH 2020 Newcastle
1-3 April 2020
Exploring the Plurality of Artists’ Practices: Artists as Dealers and Agents
Tropes from the Romantic era depicted artistic practice as an expression
of the artists’ ‘isolated genius’ which, in sociological terms,
translated into the ‘autonomisation of intellectual and artistic
production’, as a form of ‘auto-normativity’. This session, however,
aims to subvert such compartmentalisation of artistic activities and
think about artistic practices- in the plural- which extend beyond the
intellectualisation of ‘disegno’. In particular, we would invite papers
which seek to bridge seemingly disparate areas of artistic practice and
explore the activities of artists as commercial agents.
Artists were involved in negotiating the complex art worlds of their
day, cultivating patrons, creating support networks or supplementing
their incomes through dealing in art. From the Renaissance, artists
often acted for the patrons in both the primary and secondary market for
collecting, shaping the taste and opportunities for artists other than
themselves. Indeed, their knowledge and experience as artists was highly
valued as Giovanni Maria Sasso or Gavin Hamilton operated simultaneously
as restorers, dealers, agents or collectors.
This session thus invites papers covering all periods of art history and
exploring plural notion of ‘artistic practices’ as means to expanding
its meaning and application. We are particularly interested in how
artists’ shaped taste and collections, acted as dealers, or revised
their own practices in response to an increasingly international art market.
Session Co-Convenors:
Adriana Turpin (IESA, Paris)
Marie Tavinor (Christie’s Education, London)
To Submit a Paper:
Your proposal should be submitted at: [log in to unmask] by
Monday 21 October 2019, using the "Proposal Form" available on the
Association for Art History website.
Please make sure that your proposal contains a title, and abstract (max.
250 words), your name and affiliation (if applicable).
The Proposal Form may be downloaded at:
https://forarthistory.org.uk/our-work/conference/2020-annual-conference/exploring-the-plurality-of-artists-practices/
--
~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~
########################################################################
To unsubscribe from the MAT-REN list, click the following link:
https://www.jiscmail.ac.uk/cgi-bin/webadmin?SUBED1=MAT-REN&A=1
|
